“No fue diseñada para ser música de baile, fue diseñada para ser una declaración futurista”

La ciencia ficción ha sido durante mucho tiempo una musa para los productores de techno, pero tres hechos están llevando su obsesión con el futuro a nuevas alturas cósmicas 

Texto original: Kristan J. Caryl

“No fue diseñada para ser música de baile, fue diseñada para ser una declaración futurista”, dijo Jeff Mills hablando acerca de techno allá en 2013. Mientras que el Mago ha permanecido en el cosmos con sus exploraciones sónicas, la mejor parte de la última década ha visto a otros en la escena llevando el sonido en una dirección muy diferente: la tendencia predominante en el techno ha evolucionado hacia un funk industrial. Berghain se convirtió en el centro del universo. Sus enormes paredes grises y sus entrañas cavernosas se convirtieron en el lugar donde la gente empezó a ir a perderse entre el sonido de enormes tambores y percusiones militantes. Incluso en maratones de 18 horas, la melodía apenas destacaba, y el estado de ánimo era sombrío y cambiante. No era un sonido para soñadores, sino un sonido arraigado en la realidad cada vez más sombría del aquí y ahora. 

Podrías llegar a todo tipo de teorías sobre el por qué: las tendencias musicales suelen ser una reacción a lo que sucedió antes, que en este caso era un minimal extraño y abstracto, con un diseño de sonido frío y ritmos cada vez más reductivos que desaparecían en un susurro. Por un momento, se podría decir que en la última década ha habido poco tiempo para soñar; una crisis financiera global trajo a todos de vuelta a la tierra. La melodía elaborada y los elegantes instrumentos de cuerda estaban en desacuerdo con la austeridad y el ascenso de la extrema derecha.  

El verano pasado, tres álbumes de techno nuevos se lanzaron desde el planeta tierra. Se dirigen hacia las estrellas con resultados fantásticos, pero con motivaciones bastante diferentes. 

«Creo que justo estamos entrando en una nueva época en la que el público es más inteligente y muchos post-ravers se interesan por qué es lo que viene ahora», cuenta Seth Troxler. Su proyecto Lost Souls Of Saturn con Phil Moffa, es una reunión multidisciplinaria de arte contemporáneo, música y efectos visuales que ha dado lugar a un álbum debut lanzado este mes en R&S. Marca una especie de transformación para Troxler, que ha pasado los últimos años encabezando los festivales más importantes del mundo, pinchando sets cada vez más accesibles y haciendo un poco lo que le apetecía. Se comentó mucho por su restaurante Smokey Tails BBQ y sus opiniones abiertas como su música, pero con Lost Souls Of Saturn, todo eso cambia. 

R&S Records anuncia el álbum de debut de Lost Souls Of Saturn //  Clubbingspain.com

«Se trata de alimentar mi cerebro y de encontrar cosas que me emocionen a ese nivel», explica sobre su nueva dirección, antes de admitir que este nuevo proyecto con Moffa «han sido los mejores cuatro años de mi vida» y “me ha hecho volver dirección a mí mismo y a mi mente, que había estado ausente». También lo ha visto convertirse en un improbable vegetariano y “componer la mejor música de mi vida». 

La pareja se conoció por primera vez cuando Troxler fue a los estudios Butcha Sound de Moffa en la ciudad de Nueva York para algunas sesiones de grabación con The Martinez Brothers. Moffa, un aclamado ingeniero de audio, dice: «Comenzamos a hacer música a los 30 minutos de conocernos y ya nunca paramos». 

«Desde el principio siempre tuvimos una visión más amplia con nuestra música», continúa Seth. «Notamos una sensación neoclásica, como una ópera techno. Creemos que la música ha perdido de alguna manera su valor cultural y se ha convertido en un producto de entretenimiento comercial. Concebimos esta música como si fuera arte desde el principio, y desarrollamos conceptos para presentarla de manera diferente a todo lo que habíamos visto hasta entonces».

PELÍCULAS INTERNAS 

El proyecto incluye arte fascinante de la casa de diseño londinense Hingston Studios, a quienes Lost Souls les dijo que se «pusieran raros» y les dieron trabajo porque la clave era que «esto es más que un álbum de techno». También hay un video hipnótico y fascinante para dirigir el single The Awakening» que encuentra a la heroína en el plano metafísico, encontrándose a Lost Souls Of Saturn y realizando un ritual de aceptación de sí mismo. 

«Después de enfrentarse a la oscuridad de su pasado, encuentra serenidad». Todo esto ayuda a desarrollar el concepto más allá de la música. Añade capas de profundidad y pensamiento que continúa en la tradición de futuristas como Sun Ra o Philip K Dick, quien Moffa dice que es el escritor de ciencia ficción más importante».  

También habrá un lanzamiento en vinilo para el álbum, una oportunidad para captar la banda sonora en 4-D, y más fechas del tour para la instalación. Su debut el año pasado los vio pinchar dentro de GaiaMotherTree, una escultura de 20 metros de altura creada por el artista brasileño Ernesto Neto en la estación principal de trenes de Zúrich. Moffa lo describe como «el ambiente más especial en el que he actuado», y se veía a la gente tumbada o sentada, meditando o desconectando mientras la música ambiental flotaba a su alrededor de manera trascendental. 

Un primer EP de Lost Souls Of Saturn salió en R&S el pasado mes de septiembre, y ahora el álbum completo llega con un oscuro y profundo sentido de la narrativa. Teje sonidos psicodélicos parecidos al fagot con almohadillas giratorias, tundras astrales desoladas con visiones sonoras alucinantes y motivos hablados de ciencia ficción con melodía celestial.  El jazz libre, la música mundial, la música hormigón y las apariciones de otro mundo son características. 

Troxler explica esas preguntas como: “¿Por quéha perdido valor la música? ¿Por quénuestros compañeros no desafían lo que un álbum y la música puedenllegar a ser? ¿Quéqueda por hacer? ”, informaron las discusiones en el estudio en el transcurso de los últimos tres años, al igual que se habló de Saturno y las teorías de la «conspiración marginal”, muchos recreativos de Twilight Zoning y películas como La hipernormalización de Adam Curtis. Todo esto alimentó una película interna en la mente de los productores, quienes luego se dedicaron a rastrear el sonido. 

«El álbum es una historia de creación del Divine Plane, transmitida a través de nuestros sueños para ayudar a la humanidad a romper la ilusión de las seis formas de sufrimiento», explica la pareja. Esas formas son intolerancia, engaño, avaricia, narcisismo, objetivación y contaminación, y es justo decir que este tipo de pensamiento profundo a menudo no forma parte de a la música electrónica. Pero Seth cree que en realidad es la raíz del techno, al igual que Mills.  

«Creo que siendo de Detroit, hay una profunda soledad y severidad hacia la ciudad, como una reliquia», dice. “La música techno era sobre futurismo; se trataba de ideas. Cuando salieron estos sintetizadores y cajas de ritmos, representaron un nuevo futuro “. 

IDEAS UTÓPICAS  

Después del sonido de Berghain, el techno ha tendido hacia ideas de distopía. Lo industrial está en aumento. Tempos más rápidos, texturas más duras y ritmos más desiguales se han vuelto más vanguardistas, con estrellas destacadas como Helena Hauff al timón. Sin embargo, a Troxler le “gustaría volver a ver historias utópicas. Quiero leer historias más allá de mi imaginación y crear arte que despierte la imaginación de los demás «. 

Moffa es más práctico en por qué piensa que el techno a menudo tiende hacia el futuro. «Si vuelves a las canciones de la naturaleza», dice Moffa, “después el hombre primitivo y luego la música instrumental acústica, la electrónica garantiza un sonido futurista, por lo que no es de extrañar que la ciencia ficción y el techno tengan el potencial de informarse mutuamente». ¿Cómo podría el espacio no fascinar a la mente curiosa y progresista? Está en nuestra naturaleza ser exploradores. Como dijo Carl Sagan: «La superficie de la tierra es la orilla del océano cósmico … el agua parece atractiva». 

El artista británico Mat Playford, quien ya lleva mucho tiempo en esto, está de acuerdo. Él es una persona cuya discografía entera se define por un gran amor por la electrónica de ciencia ficción y el sintetizador celestial. A pesar de que «fingió desmayarse» para escabullirse de un concierto escolar cuando iba a clases de piano, creció fascinado por los pioneros del sintetizador de principios de los 80, como Jean-Michel Jarre. Cuando un hermano mayor comenzó a ir a las raves originales de finales de los 80 y principios de los 90, Playford hizo lo mismo. Además de la música en sí, las imágenes en torno a esos eventos eran a menudo de experiencias de expansión mental, viajes espaciales y exploración astral, por lo que resonó con él. 

Mat Playford on His Genelecs, Riding Wild Animals – and Clumsy Baggage  Handlers - Genelec.com

Cuando un amigo le dio un teclado de unos 13 años, lo tocaba todos los días mientras aprendía canciones de Marshall Jefferson de memoria. Luego hizo el primer diploma de música del país en Leeds College y ha estado produciendo desde entonces. 

«La ciencia ficción está arraigada en mí, en todos los productores y en la cultura misma», dice por teléfono mientras riega su enorme colección de plantas de chile en casa en la costa sur. “Desde la carrera espacial hasta los programas alienígenas, Doctor Who, Delia Derbyshire, Star Trek y Star Wars, el futurismo siempre ha estado vinculado a la tecnología musical. Mira a Ray Kurzweil, quien inventó un sintetizador de primer nivel y es el futurista gracias al quien surgió la singularidad. Incluso las máquinas que utilizamos parecen futuristas, todos los dispositivos electrónicos parpadean como naves espaciales «. El último álbum de Playford,» Solar «, es 100% un álbum conceptual que le llegó después de encontrar un libro viejo en una tienda náutica. Almagest, por el polímato griego del siglo II Claudio Ptolomeo, es un «tratado matemático y astronómico sobre los movimientos aparentes de las estrellas y los caminos planetarios». Fue un punto de partida para un álbum que viaja a los bordes de nuestra galaxia y vuela por planetas flotantes, cuerpos cósmicos y agujeros negros, dándote una sensación de viaje intergaláctico. Pinta una imagen cósmica clasicista llena de esperanza y gloria, claves parpadeantes y horizontes infinitos, en lugar de la estética más insegura y disparatada de Lost Souls Of Saturn.

TERAPIA  

Para profundizar en las conexiones cósmicas, todo el álbum de Playford fue escrito en un estudio con 36 paneles solares, algo en lo que Mat invirtió hace años. No tiene un sistema de carga, por lo que usa la electricidad que le llega del sol, lo que significa que el álbum fue escrito principalmente durante el día (y de pie, ya que tiene la intención de hacer un live). Cualquier exceso de energía se vuelve a vender a la red nacional. 

Los factores económicos y ambientales fueron motivaciones para su instalación solar, pero también que “es algo rebelde«, dice Playford. “El acid house tenía que ver con la contracultura y la rebeldía, y creo que esta configuración fuera de la red alimenta precisamente eso». Mientras tanto, la razón para componer música «es el placer que me da. No he sido popular en Beatport o en revistas populares, pero es meditación y terapia. Ese momento en el que estás pinchando con un sintetizador y un ordenador y de repente se convierte en una pieza musical: ese preciso momento es pura alegría, no estás pensando en otra cosa ni estás molesto por nada. Eso es vivir, y esa es la razón por la que estoy tan obsesionado con esto, y siempre seguiré haciéndolo pase lo que pase». 

El álbum en sí también nació del deseo de «hacer algo más grandioso que las pistas de baile, con algo más de composición». Ahora hay lugar para la música electrónica en tantos lugares y escenarios diferentes, ya no solo en la pista de baile.

Con ese fin, entró en un estudio maestro de ingeniería, Steve «Burty» Burton. El par fueron amigos desde 2003, cuando se conocieron en el legendario Roundhouse Studios. Años más tarde y por pura casualidad, Playford se mudó a la misma aldea que Burton, por lo que finalmente se unieron para este proyecto. “Él es increíble arreglando cuerdas, así que tan pronto como hicimos la primera canción del álbum» Last Perihelion «, todo fluyó de ahí». 

Playford conseguiría la buena vibra y buen ambiente, y luego Burton pondría las cuerdas grandes, se encargaría de la gestión y sería el coach en el piano. «No tuve que recordarme el concepto del álbum, simplemente ocurre en el momento», dice Playford, «y aunque quieres crear una energía en concreto cuando creas música, creo que nunca he sido capaz de dirigirme completamente al 100% en lo que estoy haciendo, siempre hay un momento en el que simplemente te dejas llevar «. 

Playford es un soñador confeso que cree que lo hemos «asaltado» aquí en el planeta tierra. Las pistas del álbum son todas palabras relacionadas con el concepto del álbum, y añaden otra capa al mensaje de la música, que es una de positividad y belleza. 

«Siempre he tenido vibraciones del alma», dice. “Los acordes de ensueño son aquellos donde mis manos caen de manera natural. Me gusta la melodía y no se ve demasiada melodía en Berghain, que se trata más de tambores «.  

PARA LOS SOÑADORES 

El tejedor de sueños de Bristol A Sagittariun ama los sonidos de Berghain tanto como “un ruido cósmico y techno tan duro como garras«, pero su propio trabajo es decididamente intergaláctico, sobre todo en el último álbum ‘Return To Telepathic Heights’ en el sello Running Back Incantations . Él dice que es la primera vez que ha escrito música con un concepto tan fuerte desde el principio del proceso, «lo que en parte lo hizo más desafiante», pero por otro lado, le ayudó a centrarse en «lo que no quería producir». 

Entonces, ¿por qué soñador y no sucio? ¿Fuera de zona y no encerrado? 

«La música tiene que venir de mi propia personalidad y mi propia manera de pensar«, explica. «La razón por la que no verás la música de A Sagittariun en todos los charts o en los grandes programas de radio es porque no estoy dispuesto a hacer copias de todo lo que está de moda en ese momento. No estoy haciendo esto para seguir tendencias o posicionarme en algún lugar entre el sonido mayoritario. De hecho, hago un movimiento subconsciente para ir hacia otro lado ”.

Él dice que en estos días, está más interesado en crear una banda sonora espacial occidental, poniendo su estilo de techno en el reino de las 100bpm y con una tendencia hacia «las influencias cinematográficas de Sergio Leone, Stanley Kubrick y Steven Spielberg, y las influencias musicales de Ennio Morricone , Adrian Sherwood y Derrick May. Creo que eso es bastante bueno, y es exactamente el tipo de proyecto en el que quería participar «. 

A Sagittariun - Dream Ritual [Elastic Dreams] (2013)

La música dance continúa impregnando la vida cotidiana, desde los anuncios hasta los charts, los supermercados y las instalaciones de arte, y esa libertad recién descubierta es lo que A Sagittariun, y todos estos artistas del techno espacial, están aprovechando. 

«Los álbumes que he producido son siempre para una experiencia de escucha personal», dice A Sagittariun. «En realidad no es música de club, la pista de baile hoy en día es casi siempre un área depredadora llena de personas a las que no les importa una mierda la música y solo están ahí para hacerse ver o hacerse fotos para impresionar a sus compañeros». Este álbum es para los solitarios, los soñadores, los excursionistas nocturnos, los desviados, los demás, los fantasiosos, aquellos con mentes abiertas y corazones abiertos. 

Para alguien tumbado horizontalmente con un par de auriculares, luces bajas, incienso, quizás un humo con olor relajante. Aquellos en movimiento también, viajes nocturnos en coche, trenes, metro, en avión. Siempre me gusta escuchar discos mientras estoy en movimiento». 

Y este de verdad te transporta a algún lugar a través de sus 10 tracks. Como toda la música anterior de A Sagittariun, es de amplio alcance. Hay viajes cósmicos de alta velocidad, como el resbaladizo y Millsian «Watch The Skies», junto a cortes menos lineales como el triste «Zeus I, Prepare For Launch» con sus acordes melancólicos y sus fuertes tambores. Muchas formas de vida alienígenas caracterizan la profunda y cavernosa Versión Excursion, mientras que los recortes chill-out como Dream Stealersme recuerdan a Castlemorton en los 90. 

EN PERSONAJE 

Si bien el álbum fue escrito como una forma de abarcar mundos imaginarios y fantasía pura, el objetivo también era transmitir sentimientos de esperanza. 

“El techno siempre me ha hablado sin tener que decirme nada«, explica A Sagittariun. «Esas primeras canciones de Rhythim Is Rhythim están llenas de significado y esperanza, curiosidad y optimismo: una gran cantidad de techno me ha inspirado de esta manera». 

Para entrar en una mentalidad adecuada para crear esta música aventurera y conjurar mundos previamente inimaginables, A Sagittariun tuvo una visión de Clint Eastwood en la película de vaqueros A Fistful Of Dollars. «Comencé entrando en el personaje, como lo haría un actor de método», dice. «Literalmente usé un sombrero de 10 galones durante el proceso de producción». 

Se sumergió por completo en el aspecto cinematográfico del concepto, viendo películas occidentales y películas de ciencia ficción como Close Encounters Of The Third Kind mientras leía obras de autores como Ray Bradbury. Por supuesto, esto ocurrió años después de que experimentara la primera ola de rave y techno en el Reino Unido, que a menudo se trataba de escapismo y viajes al espacio profundo, desde Luke Slater a Orbital, desde Global Communication a Aphex Twin’s ‘Selected Ambient Works’. 

«Diría que estaba actuando con cierta actitud y estado de ánimo al producir el álbum. Por la naturaleza misma de toda la música de A Sagittariun, ese elemento de ciencia ficción siempre está ahí desde el principio, así que si no estoy haciendo movimientos de natación con los brazos, como si estuviera nadando en el agua, el espacio o el sonido, entonces yo no estoy en camino. Por extraño que pueda parecer, este es el proceso que me mantiene produciendo como A Sagittariun «. 

Un tema recurrente en el techno de ciencia ficción es que está escrito como la banda sonora de una película; ya sea uno imaginario o uno que sale del artista después de haberse sumergido en el trabajo de otros futuristas. 

«De una manera extraña, era como si no tuviéramos el control«, dice Troxler sobre el proceso de escritura. “Nos convertimos en vasos en un sentido muy literal. La música fluyó fuera de nosotros y nos dio la posibilidad de soñar con nuestro futuro, porque la realidad es una construcción. Lo estamos inventando constantemente, y es diferente para todos «. 

Mientras tengamos techno dreamers, nuestra realidad puede ser lo que queramos que sea. 

 

*extraído de DJ Mag Es 111